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viernes, mayo 01, 2009
sábado, marzo 14, 2009
jueves, septiembre 06, 2007
miércoles, agosto 29, 2007
domingo, julio 08, 2007
Frida Kahlo
Frida Kahlo es considerada la pintora latinoamericana con más éxito en todo el mundo. Sin embargo, cuando murió en 1954, su trabajo era casi desconocido. El 6 de julio se cumplen 100 años del nacimiento de la que hoy en día es uno de los íconos de la cultura mexicana.
¿Qué ha llevado a Frida a convertirse en un ícono universal?
La Casa Azul, su lugar de residencia en Coyoacán fue convertido en museo. El lugar está impregnado del espíritu inquieto de Frida Kahlo.
Sus obras de pequeño formato (por su enfermedad no pintó cuadros en grandes lienzos, a excepción de "Las dos Fridas"), sus vistosos trajes de tehuana, su colección de calaveritas y otros objetos, el caballete, los pinceles, las figuras prehispánicas, todo bien preservado, son una invitación a penetrar también en su mundo personal.
Frida fue una artista excepcional, con un estilo propio que no puede ni debe ser encajado en tal o cual corriente. Como ella misma decía: "no sé si mis pinturas son o no son surrealistas, pero sí sé que son la más franca expresión de mí misma".
Era una mujer apasionada, comprometida con las causas del tiempo que le tocó vivir, sencilla en el trato con los demás. Una mujer necesitada de cariño, lo que hacía que amara sin condiciones.
Una mujer fuerte, a quien no le quedó otra opción que hacer las paces con su dolor físico y transformarlo, con sus pinceladas, en color y formas.
Una de las más gratas sorpresas es conocer a la Frida escritora. Pincel y pluma guiados por una misma mano.
Cuando no estaba pintando, Frida escribía, y da la impresión que lo hacia sin parar. Escribió poemas, cartas, notas, recados, reflexiones.
Escribió también en inglés. Y todo con un lenguaje llano, sin frases rebuscadas. Más bien le gustaba inventar sus propias palabras.
Sus textos están salpicados de frases y expresiones muy mexicanas, pero muy a lo Frida. Hasta en eso fue original esta figura irrepetible del arte mexicano y universal.
¿Qué ha llevado a Frida a convertirse en un ícono universal?
La Casa Azul, su lugar de residencia en Coyoacán fue convertido en museo. El lugar está impregnado del espíritu inquieto de Frida Kahlo.
Sus obras de pequeño formato (por su enfermedad no pintó cuadros en grandes lienzos, a excepción de "Las dos Fridas"), sus vistosos trajes de tehuana, su colección de calaveritas y otros objetos, el caballete, los pinceles, las figuras prehispánicas, todo bien preservado, son una invitación a penetrar también en su mundo personal.
Frida fue una artista excepcional, con un estilo propio que no puede ni debe ser encajado en tal o cual corriente. Como ella misma decía: "no sé si mis pinturas son o no son surrealistas, pero sí sé que son la más franca expresión de mí misma".
Era una mujer apasionada, comprometida con las causas del tiempo que le tocó vivir, sencilla en el trato con los demás. Una mujer necesitada de cariño, lo que hacía que amara sin condiciones.
Una mujer fuerte, a quien no le quedó otra opción que hacer las paces con su dolor físico y transformarlo, con sus pinceladas, en color y formas.
Una de las más gratas sorpresas es conocer a la Frida escritora. Pincel y pluma guiados por una misma mano.
Cuando no estaba pintando, Frida escribía, y da la impresión que lo hacia sin parar. Escribió poemas, cartas, notas, recados, reflexiones.
Escribió también en inglés. Y todo con un lenguaje llano, sin frases rebuscadas. Más bien le gustaba inventar sus propias palabras.
Sus textos están salpicados de frases y expresiones muy mexicanas, pero muy a lo Frida. Hasta en eso fue original esta figura irrepetible del arte mexicano y universal.
jueves, octubre 19, 2006
domingo, junio 04, 2006
Rodin
Siempre he sido admirador de RODIN y sobre todo del PENSADOR. Desde niño he observado esta escultura, porque mi papa tiene dos PENSADORES de portalibros que son excelentes. Y desde entonces admire a este gran maestro que es RODIN. Gracias Papá y Mamá por permitirme siempre estar cerca del arte.
sábado, febrero 11, 2006
2006: el otro Mozart
Muere el pintor y escultor Juan Soriano.
El artista nació el 18 de agosto de 1920 en Guadalajara, Jalisco y desarrolló un estilo propio en el campo de las artes plásticas.
Sábado 11 de febrero de 2006.
Sábado 11 de febrero de 2006.
El pintor y escultor mexicano Juan Soriano falleció este día en el Instituto Nacional de Nutrición, donde permaneció internado desde el 25 de enero pasado.
El artista mexicano de 86 años de edad fue hospitalizado por una neumonía y presentaba además complicaciones por deshidratación e insuficiencia en el sistema de coagulación.
Soriano nació el 18 de agosto de 1920 en Guadalajara, Jalisco, desarrolló un estilo propio en el campo de las artes plásticas por el cual recibió múltiples reconocimientos, entre los que destaca la condecoración de la Legión de Honor del Gobierno de Francia en Grado Oficial. 
A los 14 años, cuando formaba parte del taller del pintor Francisco Rodríguez "Caracalla" , participó en su primera exposición colectiva en el Museo de Guadalajara.
Desde entonces, gracias al apoyo de su hermana Martha y de las enseñanzas del también pintor Jesús Reyes Ferreira, incursionó en el ámbito de la plástica mexicana con notables contribuciones sobre temas como la composición y la forma.
En esa exposición estuvieron la maestra Lola Alvarez Bravo, María Izquierdo y José Chávez Morado, quienes al observar los retratos pintados por Soriano los vincularon con el expresionismo alemán y conocieron directamente al artista, quien después presentaría su primera exposición individual en 1936. 
La obra del considerado "El Mozart de la pintura", por su precocidad, les sorprendió y pareció diferente a la de sus contemporáneos y predecesores, pues si bien compartía con ellos una atmósfera y una época, no ocurría así en los estilos ni las formas de figuración.
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2006: el año Mozart
Territorio Sonoro
Son adjetivos que llevan un buen rato clonándose en la radio, en los pasillos de las salas de concierto, en programas de televisión y en la crítica.
Este 27 de enero del 2006, se cumplieron 250 años del nacimiento de uno de los grandes genios de la historia, y es importante desempolvar algunas ideas que con el tiempo y la popularidad han ido perdiendo su significado. Es un hecho que la música de Wolfgang Amadeus Mozart está llena de belleza, virtuosismo, agilidad, sorpresa y, sobre todo, felicidad.
Son adjetivos que llevan un buen rato clonándose en la radio, en los pasillos de las salas de concierto, en programas de televisión y en la crítica.
Pero estas ideas se quedan cortas para acercarse a una personalidad compleja, con sus circunstancias, con su dolor y sus anhelos, elementos que dejan una huella imborrable en cada una de las miles de notas que el compositor escribió.
Referirse a la música de Mozart únicamente como "bonita" y dejar de lado su carácter expresivo -donde conviven lo patológico y lo sublime-, es como comerse únicamente el betún del pastel, ignorando la sustancia. Y es que, es cierto, la mayor parte de la música de Mozart contiene frases festivas y claras para quienes la escuchamos; además de pasajes divertidos y virtuosos para quienes la ejecutan. 
Pero detrás de esa festividad aparente, propia de la estética musical del periodo clásico y exigida por un público aristocrático ingrato, podemos escuchar muy sutilmente el espíritu de un compositor cuya difícil vida quedó plasmada de manera velada en su obra.
A estas alturas de la historia sobra insistir en que el artista siempre es producto de su época, con sus leyes de producción, con sus principios estéticos, su público.
Por lo mismo, hacer juicios sin considerar el momento histórico del artista, es limitado.
Mozart nace en 1756, en pleno periodo clásico, en donde la producción artística está controlada por la aristocracia y donde la búsqueda estética se basa en la claridad, la objetividad y la universalidad.
Mozart nace en 1756, en pleno periodo clásico, en donde la producción artística está controlada por la aristocracia y donde la búsqueda estética se basa en la claridad, la objetividad y la universalidad.
Esto está reflejado claramente en la música de Mozart y sus contemporáneos, con sus insistentes repeticiones de frases tan perceptibles que parecen estar iluminadas por reflectores, con sus melodías tan gestuales, elementos que sólo aparecen exaltados a tal escala en el periodo clásico.
Y es por estos elementos que algunos críticos, músicos y alguna parte del público en general critica a Mozart.
Y es por estos elementos que algunos críticos, músicos y alguna parte del público en general critica a Mozart.
Afirman que el artista nacido enSalzburgo es superficial, por permanecer durante un enorme porcentaje de su obra en arquitecturas musicales que enfatizan la repetición y que reprimen la expresión profunda del compositor, buscando más el alcance hacia el público que el alcance hacia el alma.
Pero, por otra parte, se puede cambiar el enfoque hacia Mozart, compositor con una serie de conflictos internos que le llevaron a ser tan frágil que se abandonó por el público vienés.
En cualquier biografía sobre el compositor austriaco se puede leer cómo Mozart sufría buscando la aceptación de la aristocracia, en particular la vienesa, la cual, como a todos los músicos de la época, trataba como a un sirviente más.
En cualquier biografía sobre el compositor austriaco se puede leer cómo Mozart sufría buscando la aceptación de la aristocracia, en particular la vienesa, la cual, como a todos los músicos de la época, trataba como a un sirviente más.
Sumado a esto, Mozart era un hombre necesitado de afecto -Constanza, su esposa, llegó a escribir una carta donde afirma que ama al genio, no al hombre detrás de Mozart- y lo pedía tanto a amigos como a su mujer.
¿Cómo pensar que cuestiones tan profundas como éstas no estén presentes en su obra?
Si se escucha con detenimiento, se puede vislumbrar una vastedad interior hasta en la música aparentemente alegre, donde Mozart es capaz de ir de la risa a la melancolía con una agilidad extraordinaria.
Si se escucha con detenimiento, se puede vislumbrar una vastedad interior hasta en la música aparentemente alegre, donde Mozart es capaz de ir de la risa a la melancolía con una agilidad extraordinaria.
Además, su mérito es lograr esto en un contexto en el cual el fin no era su expresión interior, sino su público.
Wolfgang Amadeus Mozart logró que la profundidad de su música permaneciera velada, reluciendo en ciertos momentos que impregnan al todo.
La profundidad está ahí, pero encubierta y tímida.
La profundidad está ahí, pero encubierta y tímida.
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